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c. 1300s魯特琴 Lute

起源地:歐洲

類型:弦鳴樂器(彈撥類)

時期:中世紀/文藝復興

帶著像是剖半的梨形琴身,輕聲恬靜卻平易近人的音調,魯特琴可說是最獨樹一格的彈撥樂器之一。它的名氣部分來自長時間廣泛的應用。幾個世紀以來,魯特琴可獨奏、伴奏,並在合奏團占有一席之地,也是弦樂器具備多功能的典型例子,而多功能性質正是西方音樂漫長歷史一項顯著的特色。



從中東來到歐洲

魯特琴可能源自中東地區。類似魯特琴的樂器對古埃及人和美索不達米亞的居民來說幾乎眾所周知,魯特琴源自阿拉伯世界,西元八世紀西班牙曾一度被穆斯林占領,此樂器便由穆斯林和拜占庭音樂家經從西西里島帶到歐洲。許多歐洲語言中,「魯特琴」一詞源自阿拉伯的「烏德琴」(al ’ud),「烏德」字意是木頭或棒形物。中世紀,浪跡各地的音樂家帶著魯特琴環遊歐洲,於是十三、十四世紀早期的英法文獻都曾提起魯特琴和其演奏者。儘管如此,仍無從確知當時魯特琴的模樣。

到了十五世紀初期,情況變得比較明確。此時大部分的魯特琴可能有四對同音弦組(course,弦兩兩成組),手指間夾一只撥片(plectrum)彈奏。樂器製造者開始在琴頸處加上音格(fret,又稱弦品或品),幫助負責彈撥的左手手指

放在適當的位置。現存最早的魯特琴音樂可回溯至十五世紀,隨著時間推移,演奏者也開始改變彈奏技巧,漸漸直接用手指撥弦。同時,樂器製造者也在魯特琴多加一對同音弦組,不久後又再多加一對同音弦組。十六世紀,魯特琴的普遍形制為含有六對同音弦組、用手指撥弦彈奏。十六世紀末甚至有更大型、多達十對同音弦組的魯特琴。



文藝復興時期的樂器

十六世紀,也就是文藝復興全盛期,魯特琴是非常受歡迎的樂器。時興直接以指撥弦的方式可演奏更複雜的音樂,新添加的同音弦組也使其有更廣的表現幅度。作曲家對此做出熱烈回應,很快地創作出不計其數的曲目,包括獨奏樂曲

與伴奏歌曲──演奏者往往自彈自唱。從皇家宮廷一直到尋常小康家庭,任何需要以小而美形式彈琴賞樂之處──魯特琴並非聲力萬鈞的樂器──都可見到魯特琴的身影。魯特琴形同音樂界文藝復興的象徵,就像古典柱式結構之於文藝復興時期建築。

文藝復興時期作曲家為魯特琴寫出眾多歐洲歷來最優美的樂曲。最早一批致力於開發魯特琴彈撥多聲部潛力的偉大作曲家,包括義大利的法蘭契斯科‧達‧米蘭諾(Francesco daMilano, 1497-1543)。法蘭契斯科在教廷任職,寫下數冊魯特琴曲集(如今僅存百餘首)。他的作品曾上市出版,表示其名聲遠播至羅馬教廷之外。躋身英國最偉大作曲家之一的杜蘭(John Dowland, 1563-1626),也曾創作數冊魯特琴獨奏曲集與多首伴奏,還有結合古提琴和魯特琴的合奏曲,著名的《淚》(Lachrimae)是將作曲家稱為「七首熱情的帕望(pavan,依舞曲寫成的悲傷曲調)舞曲」集結的曲集,獻給雇主的夫人也就是丹麥的安妮女王Queen Anne)。杜蘭身兼魯特琴演奏家及作曲家的名望也有助於令十六、十七世紀的英國對此樂器鍾愛而不墜。



新的方向

十七世紀,魯特琴在歐洲各國的發展起點不同。法國和北歐的作曲家和樂器製造者進行各種調弦方式的實驗;義大利的重點則傾向拓展魯特琴的低音域。義大利對於聲部寫作的態度轉變促使新型態魯特琴誕生。接近十六世紀末時,義大利音樂家開始撰寫極度戲劇化的聲樂作品,也隨之賦予富表達力的獨唱者重要地位。音樂家為這樣的人聲旋律配上一種或更多種類的樂器,樂器以和聲伴奏,

同時強化低音聲部;伴奏性質的低音聲部樂器群往往包含彈撥類的弦樂器,而稱為「數字低音」(basso continuo)。

1580年代,義大利佛羅倫斯的樂器製造者發展出一款提奧伯魯特琴theorbo,譯注:十八世紀前的重要伴奏樂器),此為特大號的魯特琴,帶有長頸與多達七、八對的同音弦組,以及一排附加的七或八根低音弦,低音弦不按弦而直接彈撥,如同豎琴的琴弦。提奧伯魯特琴受到巴洛克早期作曲家青睞而廣泛作為數字低音樂器運用,作曲家活躍於十七世紀最初的十年,如蒙特威爾第(Claudio onteverdi, 1567-1643)。提奧伯魯特琴深刻的聲響豐富了蒙特威爾第管弦作品的表現,如《晚禱》(Vespers, 1610);還有歌劇,如《奧菲歐》(Orfeo, 1607)和《波佩亞的加冕》(L’incoronazione di Poppea, 1643); 以及配上樂器伴奏的牧歌(madrigal)作品等。蒙特威爾第與同時代的作曲家運用的數字低音樂器群往

往由幾種樂器組成,可能有提奧伯魯特琴和小型管風琴(chamber organ),或幾支提奧伯魯特琴加上大鍵琴或管風琴,有時候是一支提奧伯魯特琴加上一把用弓拉奏的低音弦樂器。提奧伯魯特琴雖然源自義大利,但也流傳到中歐地區和法國,特別是受過義大利音樂薰陶的作曲家。

約在此時,出現了另一種變體長頸魯特琴(archlute),其用於按弦的同音弦組與長的低音弦,可說是結合了一般魯特琴和提奧伯魯特琴的特點。長頸魯特琴深受演奏者喜愛,這些演奏者致力發揮樂器品質,不僅是做為數字低音聲部演奏、伴奏,還有以魯特琴為主角的樂曲。

標準的魯特琴與其親戚,如提奧伯魯特琴與長頸魯特琴等,在十八世紀末已逐漸失寵,不過至今仍會現身在文藝復興和巴洛克時期音樂演出的場合。它們往往單獨為人聲伴奏,或用在人聲僅以其他樂器輕聲伴奏的段落中。魯特琴能增添美麗的色彩與弓弦樂器或管樂器相輔相成,使得早期的巴洛克樂團與日後的室內

樂團有著截然不同的效果。



c. 1400s管風琴Organ

起源地:西歐

類型:氣鳴樂器/鍵盤類

時期:中世紀

十五世紀,歐洲的管風琴確立教堂樂器的首要地位。它不僅擁有廣泛音色,在獨奏與伴奏方面也都表現出色,因此註定在音樂界扮演重要角色,文藝復興、巴洛克與浪漫時期晚期尤然。由於寬廣的表現力、音色多樣、音量豐沛,作家與音樂家都為管風琴冠上「樂器之王」的美名。



管風琴的基本原理

現代管風琴是構造複雜的樂器,但所有管風琴的運作方式都大同小異,也都有少數相同的特色。管風琴透過壓力鼓風,將這道氣體儲存起來再經由活塞將氣體送到已調音的音管群。為達到此效果,管風琴須具備音管之外的氣流通道,也需要鼓風的機械裝置且可在壓力下持續儲存。另外,還需要至少一組鍵盤。

管風琴的聲音藉由音管發出。每根音管都有獨立音高,一管一音,成群的音管每列構成一個音階。音管無論在音色、音量也各有千秋,管風琴因此會有好幾列音管,每一列都有不同性格。音色表現依製造方式而異,例如有些音管如同大型直笛(recorder)對著明顯的唇形管孔引導氣流通過,這類音管稱為唇管(flue pipe),其音高取決於管長,音管的音質則受到像是管孔位置等因素影響。另外,有的音管內有簧(reed),作用方式如同木管樂器,音高一樣由管長決定。

演奏家透過音栓(stop)選取要以哪幾列音管演奏,音栓可管理氣流送到那幾排音管。傳統上,音栓藉著拉動球形把手操作,球形把手上會標明音列名稱及音高;音栓控制可移動的木製滑板,滑板上有開孔,可藉由關閉或開啟將風送到特定音列。部分管風琴則以電動開關控制音栓。

管風琴的第二種機械連動裝置:鍵,便是連接鍵盤與音管,讓風壓進入特定的音管裡。多數管風琴有至少兩層鍵盤,稱為手鍵盤(manual),再加上一個腳鍵盤(pedalboard)。管風琴鍵有各種作用方式。例如,有些管風琴用一系列的金屬槓桿連接鍵盤和音管,稱為牽引式連動裝置(tracker action)。另一種系統則常用在非常大型的管風琴,即電動氣動式連動裝置(electropneumatic action);這類利用電力連動的管風琴也表示手鍵盤的位置可以與音管有段距離。

傳統上,使音管發聲的氣流由手動鼓風機供應。今日,鼓風裝置已幾乎都以電力驅動,演奏者便不用依賴助手送風。從鼓風機送出來的風先是儲存在制氣室以維持適當壓力,待到通過制氣室時再輸送至一列列音管下方的風室(windchest)。



管風琴的起源

管風琴的起源可回溯到遠古。西元前三世紀,亞歷山卓城(Alexandria)的希臘工程師泰西比烏斯(Ctesibius)發明了水壓風琴(hydraulis)。水壓風琴是藉由水壓維持供氣的管風琴。羅馬人也演奏水壓風琴,但到了約西元二世紀的羅馬時代,羅馬人以一種可充氣的皮革材質氣囊取代原本手動的泵氣裝置;接下來,又轉而使用鼓風裝置供氣。羅馬帝國衰亡後,管風琴的製造和演奏反而由東羅馬帝國延續,尤其是首都君士坦丁堡。西元757年,皇帝君士坦丁五世(Constantine V)送了一部管風琴給法蘭克國王矮子丕平(Pepin),這份贈禮印證管風琴在西方的重現。而管風琴自此在西方便被視為教堂的代表樂器。



c. 1555吉他 Guitar

起源地:西班牙安達魯西亞

類型:弦鳴樂器

時期:文藝復興

雖然古典吉他和西班牙幾乎畫上等號,但吉他可說風靡全世界,擁有不計其數的死忠愛好者。這股吉他狂熱從想要學會某種樂器的初學者開始(因價格親民加上技術門檻低),一直到所有文藝復興時期音樂至近代新作都能勝任的高超演奏家。而吉他最早就是源於文藝復興時期。



吉他與比維拉琴

現今的古典吉他屬於彈撥樂器,帶有葫蘆形的琴身、平背板及六根琴弦,六根琴弦一般以相隔四度調律,但其中第二弦與第三弦之間則相隔大三度。不過,「吉他」一詞在數百年的時間中都用來統稱形形色色的彈撥樂器,這些彈撥樂器中也有與今天吉他大不相同的樂器。由於形制變化多端,又與其他樂器有某些共同點,因此想要特別追溯吉他的早期歷史,實是困難重重。

中世紀,「吉他」一詞有時指稱琴身呈梨形、琴背呈圓拱形的小型魯特琴等小一號的樂器。不過,中世紀後期的西班牙,逐漸發展出一種稱為比維拉琴(vihuela)的樂器,這種樂器有更近似吉他的腰身及平背板,還有一組以彈撥方式演奏的琴弦。比維拉琴在十五、十六世紀的西班牙蔚為風行。比維拉琴

的琴弦按照同音弦組的方式排列,類似魯特琴──換句話說,這種樂器有六、七對羊腸弦(gut string)的弦組,每一對弦組的兩根弦調成同音或相距八度音高。



文藝復興時期的吉他

十五、十六世紀的比維拉琴似乎是琴身相當大的樂器──尺寸與魯特琴差不多。不過,此時一種相對小型的同類樂器也正逐漸成形,其琴身與比維拉琴相同但體形較小,有四、五對同音弦組,琴弦以相隔四度調律,中間穿插一個三度。這種樂器的演奏方式,可彈撥個別琴弦,也可彈撥振音構成和弦,這便是古典吉

他的始祖。1555年,西班牙修道士音樂家伯穆多(Juan Bermudo)出版一冊關於樂器的專書,書中將吉他和比維拉琴做出區隔,也針對四對弦組及五對弦組兩種吉他加以描述。此書意味吉他已獲認同,堪稱吉他史上的第一個里程碑。1550年代,由法國魯特琴演奏家、吉他演奏家兼作曲家羅瓦(Adrian LeRoy, 1520-1598, 如左圖)創作的數冊吉他曲集,還有富恩亞納(Miguel Fuenllana)在1554年出版的《奧爾菲的小里拉琴》(Orphénicalyra)曲集,在在證實這一點。富恩亞納在西班牙出版、題獻給西班牙國王腓力二世(Philip II)的曲集,書名頁便註明寫給比維拉琴。實際看此樂譜可知其調音原則類似現代吉他,差異僅在最低音的弦,這冊曲集被認為是史上第一本為五對弦組吉他出版的樂譜。

十六世紀,四對弦組的吉他(同時還有五、六對弦組的吉他)在西班牙廣為流行,此地應為吉他最早發跡之處,而在義大利、法國與英國,吉他風行的盛況也如此。它常用來為歌者伴奏,也累積了包括舞曲等類型的豐富獨奏曲目。吉他的興盛此時已經達到某個階段。



單弦跨出一大步

在巴洛克時期,吉他開始發展成更近似於現代吉他的樣貌,也越來越受歡迎。部分須歸功於知名演奏家的提倡。例如,英國吉他演奏家科貝塔(Francesco Corbetta, 1615-1681)成為國王查理二世(Charles II)御用的宮廷音樂家,而他專精的吉他便在英國受到前所未有的矚目,並開始取代魯特琴。

吉他一步步邁向成功之路,更深層的理由之一就在於一股為其增加更多弦組的趨勢,從而獲得更寬廣的發揮空間。五對弦組的吉他為巴洛克時期的主流,到了十八世紀則是六對弦組的吉他最為盛行。十八世紀同時也經歷了琴弦的改良,包括低音琴弦使用包裹纏線的弦。包裹纏線的弦具有如羊腸線的某種材質為軸心,再以其他像絲線等材料包捲而成,以此讓琴弦更加堅實。這項改良致使樂器製造者捨棄原本的弦組觀念,轉而嘗試改裝成六根單弦。早期的吉他往往被視為高音樂器,然而這些六弦吉他能獨自滿足低音聲部的需要,因此越來越多的作曲家將吉他看做完備的獨奏樂器。

伴隨著改良,吉他的曲目在十八和十九世紀早期以倍數增加,尤其是西班牙和義大利地區身兼吉他演奏家及作曲家的人才輩出。其中最著名的音樂家之一

就是出身拿坡里的卡路利(Ferdinando Carulli, 1770-1841),這位赫赫有名的吉他演奏大師巡迴歐洲舉辦音樂會,為吉他寫過四百多首的曲子──舉凡獨奏曲、

室內樂與協奏曲皆有。最著名的西班牙吉他作曲家則是梭爾(Fernando Sor, 1778-1839),他行遍歐洲各地,舉行音樂會、創作,使吉他受到更多大眾的喜愛。



c. 1580大鍵琴 Harpsichord

起源地:比利時安特衛普

類型:弦鳴樂器/鍵盤類

時期:文藝復興/巴洛克

西元1570到1580年間,樂器製造界的新人漢斯‧盧克斯(Hans Ruckers)在安特衛普(Antwerp)成立了工作室。他一手打造的大鍵琴以豐富的音色及扮演支持角色的能力很快受到青睞,影響了整個歐洲的製琴同行,也讓音樂家為之振奮。從居家會客室到歌劇院,音樂就此改變。



鍵盤結合弦樂器

管風琴音樂家十分熟悉鍵盤,而管風琴的歷史悠久。中世紀晚期,發明家開始設計以鍵盤演奏的弦樂器機械裝置。其中最早的古鋼琴(clavichord)便是現代鋼琴的前身之一,其以機械或連動裝置擊弦;大鍵琴採用的連動裝置則是撥弦。為弦樂器添加鍵盤可謂如虎添翼。豎琴演奏家或薩泰里琴(psaltery,一種箱型齊特琴〔box zither〕,以手指直接彈撥或以撥片彈奏)演奏家原本一次可同時彈一、兩根弦。有了鍵盤,便可演奏複雜的和弦,甚或同時演奏不只單一的旋律

線。無異是徹底改變遊戲規則,而造就決定性改變的樂器就是大鍵琴。



大鍵琴的源起

約在1397年,義大利北部城市帕多瓦(Padua)的製琴家波爾(Hermann Poll, 約1368-1400年)可能便是大鍵琴的發明者。其樂器在當代文獻為clavicembalum,此名稱暗示此樂器以薩泰里琴為基礎再加上琴鍵(clavis),並由琴鍵控制某種撥弦的裝置。大鍵琴的名稱也曾在一份1404年的文件描述某種德式樂器。從此,大鍵琴在十五世紀日益普及,但這段時期的鍵盤音樂作品往往無從判斷是寫給管風琴或大鍵琴。到了十六世紀,大鍵琴發展完備,並擁有眾多為發揮撥弦獨特聲響的曲集。

為了讓演奏者在按下琴鍵的同時撥動琴弦,製琴家發展出各式機械裝置。最常使用的就是以爪桿(jack,又稱頂桿)零件為原理的設計。每個琴鍵都有一副爪桿,爪桿為一根木條(常用梨木、花楸樹或山毛櫸為材料)並在其中一端開了細槽。細槽嵌入舌條(tongue,又稱舌軸),舌條用更硬的木材(通常是冬青木)製成,舌條穿著一根可依軸轉動的樞軸,並藉由豬鬃製成的彈簧維持豎直的狀態。舌條上端附有常以羽管製成的撥子(plectrum),真正撥動琴弦的就是撥子。爪桿附在琴鍵末端,撥子則在琴弦下方。當演奏者按下某個琴鍵時,爪桿會升起,

連帶撥子撥動琴弦。當演奏者放開琴鍵,爪桿落下,使樞柚上的舌條轉回,撥子便得以避開琴弦降回原位,不致再次撥到琴弦。隨著爪桿回歸原位,毛氈做成的制音器(damper)會靠在琴弦上,制止琴弦因振動又發出聲響。



曲目大爆發

十六世紀,無數為大鍵琴及其姐妹樂器維吉那琴(virginal)與斯皮耐琴(spinet)寫的曲子現身。樂器製造與樂曲創作相輔相成,樂器的改善激勵了作曲家,而大鍵琴曲的創作日漸增加,也鼓勵製琴家製作更多更好的大鍵琴。十五、十六世紀,一群陣容堅強的鍵盤音樂作曲家自義大利崛起,包括寫過器樂曲(canzona)和觸技曲的弗雷斯科巴第(1583-1643)、梅路羅(Claudio Merulo, 1533-1604), 以及偉大的威尼斯樂派作曲家安德列‧加布里耶利(Andrea

Gabrieli,約1510-1585年)與他的姪子喬望尼‧加布里耶利(Giovanni Gabrieli,約1557-1612年)。十七世紀則有重要的德國管風琴演奏家兼作曲家弗羅貝格爾(Johann Jacob Froberger,1616-1667),其觸技曲和組曲(suite)影響了後來的巴赫。

鍵盤音樂的首要中心之一就是都鐸王朝(Tudor)時代及斯圖亞特(Stuart)王室的英國,主要作曲家有拜爾德(William Byrd,約1540-1623年)和約翰‧布爾(John Bull, 1562-1628),前者以合唱音樂作曲家兼音樂出版商著稱,後者則是安特衛普大教堂知名的鍵盤樂器演奏家兼管風琴師。他們的作品與當代其他創作都集結在手抄本《費茲威廉維吉那琴曲集》(Fitzwilliam Virginal Book)裡,這本鍵盤樂曲蒐集約1609到1619年間的樂曲,主要是舞曲、幻想曲和變奏曲(variation),共三百多首。第一部付梓出版的英國鍵盤樂曲集是《維吉那琴的處女航》(Parthenia, or The Maydenhead of the First Musicke that ever was printed for the Virginalls, 1611),當中收錄了拜爾德、布爾和另一位英國大師奧蘭多‧紀邦斯(OrlandoGibbons, 1583-1625)的二十一首鍵盤樂作品。



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